Alessandro Bulgarini

NEW POP - Pop Surrealism VS Urban Art

2012-02-28T00:13:00.000-08:00

Mostra a cura di Pietro Di Lecce

Dal 15 al 23 marzo 2012

presso Spazio Orlandi e Superground

Lo Spazio Orlandi, in collaborazione con Art Kitchen, presenta la mostra NEO POP | Pop Surrealism vs Urban Art, in programma dal 15 al 23 marzo 2012 presso lo Spazio Orlandi e Superground.

Questa collettiva, che unisce artisti italiani e internazionali rappresentativi del pop surrealism e della urban art, ha l’obiettivo di mettere a confronto questi due generi e di mettere in luce il comune denominatore fra due tendenze artistiche che, nonostante le differenti origini, spesso si fondono e confondono.

Le location che ospitano l’evento sono due ex spazi lavorativi, abbandonati e rimessi a nuovo: lo Spazio Orlandi è in origine un’oreficeria, ristrutturata e trasformata in una realtà in continua ricerca di giovani artisti emergenti, da promuovere e sostenere; Superground, nato dalle ceneri di una vecchia mensa operaia, è ora un luogo culturale polivalente, pensato per promuovere e proporre nuove forme di creatività, d’espressione artistica e d’intrattenimento culturale ad alta qualità.

La lista degli artisti coinvolti è ampia e affianca nomi di fama internazionale a giovani che hanno iniziato ad affermarsi sulla scena nazionale:

OPERE DI : Blu, Nicola Verlato, Obey, Ron English, Kenny Scharf

ARTISTI:

Alessandro Bulgarini, Ania Tomicka, Anna Caruso, Antonio Cugnetto, Bros, Centina, Chuuu, Daniele Duo', Dilka Bear, El Euro, Erica Calardo, Fabio Weik, Giacomo Spazio, Gianfranco Pulitano, Hackatao, Ivan, James Kalinda, Luciano Civettini, Luigi Drei, Maze, Mr Wany, Mork, NOx, Orma, Pao, Paola Sala, Paolo Guido, Paolo Petrangeli, Pesca, Pietro Di Lecce, Seacreative, Sergio Cavallerin, Thomas Bee, Thomas Raimondi, Tomoko Nagao, Tvboy, Xno e molti altri…..

La mostra prevede due vernissage, uno per location, con performance live e dj set.

Primo Vernissage

Giovedi 15 Marzo 2012, ore 18.30

Spazio Orlandi, via vespri siciliani, 16/4 – Milano.

Secondo Vernissage

Venerdì 16 Marzo 2012, ore 18.30

Superground, via Bussola, 4 – Milano.

Contatti

Spazio Orlandi

www.spaziorlandi.com

info@spaziorlandi.com

Tel/Fax 02.473046

Art Kitchen Superground

www.artkitchen.it

Uff. Stampa - Matteo Albertini: matteo@artkitchen.org

Tel/Fax:02.89070527

Uff Stampa -

F&P Communication effepicom@gmail.com

3332435897-- 3333409289

Thanks

Le opere di:

Ania Tomicka, Antonio Cugnetto, Erica Calardo, Gianfranco Pulitano, Luciano Civettini, Paola Sala, Paolo Guido, Paolo Petrangeli, Sergio Cavallerin, Xno, sono esposte per gentile concessione delle gallerie che gestiscono in esclusiva i lavori degli artisti sopra citati: Angel Art Gallery, Dorothy Circus Gallery, Mondo Bizzarro Gallery, Mondo Pop Gallery.

Grazie anche a Art Kitchen, Giacomo Spazio, Giuseppe Iavicoli “Spazi Possibili” e la Galleria Marchina per il loro contributo.

Cactus Man / Il burocrate

2012-02-15T03:47:00.000-08:00

(omaggio a Odilon Redon)
oil on prepared canvas - cm 70 x 100 - 2012

AAF Milano 2012

2012-02-07T03:32:00.000-08:00

Con Pietro Di Lecce

con Andrea ANTIKORPO Lanzi

The Affordable Art Fair milano 2012 / 2-5 Febbraio

2012-01-04T03:05:00.000-08:00

Pop is Dead 5

2011-11-08T11:29:00.000-08:00

olio su tavola - cm 40 x 30 - 2011

Light Unicorn / multiplicatio

2011-11-07T03:04:00.000-08:00

olio su tavola - cm 40 x 30 - 2011

Light Pelican

2011-11-07T03:02:00.000-08:00

olio su tavola - cm 20 x 30 - 2011

2011-11-03T04:02:00.000-07:00

Pictor Maleficus

Alessandro Bulgarini solo show

5 – 27 novembre 2011

Spazio Orlandi

Via Vespri Siciliani, 16/4 – 20123 Milano

Tel. 02 473046 - info@spaziorlandi.com - www.spaziorlandi.com

Dal 5 al 27 novembre 2011, lo Spazio Orlandi in via Vespri Siciliani 16/4 a Milano, ospita la mostra personale del giovane pittore bresciano Alessandro Bulgarini.

Un'indagine pittorica visivamente difficile e tecnicamente ricercata, che scandaglia il terreno della significanza rapportata al contesto delle immagini, nell’era della morte della realtà.

Crudeli ed emblematiche provocazioni retiniche costruite al tavolino del ragionamento, danno vita ad un’enigmatica galleria dell’inquietudine che si risolve essenzialmente nell’esigenza di restituire all'immagine quel suo intrinseco potere evocativo perduto. Quasi a seguire la profetica lezione Calviniana di un'Arte futura fondata sull’esattezza, l’incisività e l’assoluta efficacia comunicativa, il pittore è mosso da una necessità icastica quale sistematica ribellione e contraltare intellettivo all’imposto predominio simulacrale del vuoto apparente. Imposizione di vacuità che si manifesta essenzialmente nell’assenza di contenuti di cui si caratterizza il contesto mediatico e visuale contemporaneo.

Così, accanto all’esplicita salma del contemporaneo tiranno (Gheddafi) intento a liquefarsi su di un metallico lettino chirurgico, giace un'insolitamente addormentato Sgarbi, galleggiante in una vasca di Hirstiana fattezza, a celebrazione dell'immortalità della sua amata pittura, in esplicita controffensiva ideologica alle effimere apoteosi mediatiche di quello. E ancora, pupazzi impiccati ed assassinati; bambini senza volto dalle identità colanti testimoni di un futuro tristemente incerto; cloni seriali di donne dagli enormi seni collassati, vittime sacrificali dell’impero dell’apparenza; un grosso teschio inerme di un non più Andy Warhol, ucciso dal suo stesso anacronismo ridondante: la morte del Pop nel tempo del collasso del capitalismo di massa.

Ma nessuna fiaba può essere mai più atroce dell'epoca che l'ha prodotta; così è per le immagini e l’opera del Bulgarini: soltanto pittura, estremo tentativo di esorcismo nella lotta all’ipocrisia e all’indifferenza, nemici ben più terribili del male stesso, poiché non permettono di identificarlo.

Pictor Maleficus
Alessandro Bulgarini solo show

5 – 27 novembre 2011

Spazio Orlandi

Via Vespri Siciliani, 16/4 – 20123 Milano

Tel. 02 473046 - info@spaziorlandi.com - www.spaziorlandi.com

A cura di: Pietro Di Lecce e Alessandro Bulgarini

Orari: Tutti i giorni previo appuntamento

Vernissage: sabato 5 novembre 2011 - ore 18,00

Finissage: sabato 26 novembre 2011 - ore 18,00

Artista presente i giorni del vernissage, del finissage, e su appuntamento.

Ufficio stampa: ARTE20GROPU

via Andrea Solari, 12 - 20144 Milano

PH +39 02 87247467 - info@arte20group.com - www.arte20group.com

SALVATOR MUNDI ???

2011-11-02T06:58:00.000-07:00

Olio su tavola - cm 46 x 66 - 2011

"Lo Sgarbizzato" incontra Sgarbi

2011-10-16T11:58:00.000-07:00

Foto by Andrea Parisi

Venezia - Galleria Primo Piano (www.primopianovenice.com) - 15 ottobre 2011

Lo Sgarbizzato

2011-10-14T02:22:00.000-07:00

olio su tela preparata - cm 120 x 50 - 2011

The irreversible Gift

2011-10-10T03:06:00.000-07:00

olio su tela preparata - cm 120 x 150 - 2011

2011-08-30T00:47:00.001-07:00

Pictor Maleficus

2011-07-22T04:51:00.000-07:00

INNOCEN-CIDE al Museum of Americas - Miami, Florida (U.S.A.)

2011-06-24T06:56:00.000-07:00

INNOCEN-CIDE

al Museum of Americas, Miami, Florida (

U.S.A.

)

The Museum of the Americas
cordially invites you and your guests
to the opening of the exhibition“
Contemporary International Art IV”
organized in Argentina by Mr. Oscar Poliotto

featuring:

Luigi Alba (Italy), Andrea Allegrone (USA),
Israel Alvarado Torres (Mexico), Karin Barrera, (Chile),
Arthur Bernard (The Netherlands), Suzie Boudreault (Canada ),
Alessandro Bulgarini (Italy),Gabriela A. Corradi (Argentina),
Myoung-Cheul Chung (Monaco), Sandro José da Silva (Brazil),
Slavko Dujic (Croatia), Lis Engel (Denmark), Faba (France),
Isabel Fernadez (Argentina), Susana Giacoboni (Argentina),
Anne Hauger (Norway), John Hudetz (USA),
Laureano Kamalky (Mexico),
Katrin König (Germany),Inés Lazzaro Troncoso (Chile),
Lynn Le Tourneau (USA), Tage Lundin (Sweden),
Stefano Moroni (Italy), Carolin Okon (Germany),
Ray Paul (USA), Rosalía Salerni (Argentina),
Claudia Santiago (Argentina),Tengiz Sepiashvili (Sepo) (USA),
Claudia Toubes (Argentina), Ari Liimatainen (Finlad)
Ioanna Voskou (Cyprus), Katharina Wollandt (Germany)
Luz Maria Yrarrazaval (Chile) and Fethi Zbidi (Tunisia),

on Friday, July 8, 2011 from 6:30 PM to 10:00 PM
(cocktail reception)
Exhibitions end on Friday, July 22, 2011

Free admission and parking.

Museum of the Americas
2500 NW 79th. Avenue - Suites #104 and 108 - Doral , FL 33122
Tel. 305.599.8089 - Email: Americasmuseum @aol.comwww.museumamericas.org

Museum hours: Tuesday-Friday, 11-5 -
Saturdays, 11-4, by appointment only

intervista per VANITY CULT su Bresciattiva.it

2011-05-11T05:23:00.000-07:00

ALESSANDRO BULGARINI - Warhol è morto

« back SCRITTO DA SISSI BERTILLA VON ZITA - VANITY CULT. GIOVEDÌ 05 MAGGIO 2011

http://www.bresciattiva.it/vanity-cult/730-alessandro-bulgarini-warhol-e-morto.html

Questa intervista è nata in modo diverso da tutte le altre e si è anche svolta in modo diverso da tutte le altre. Partiamo dal principio. Alessandro è un mio amico di Facebook e non ci siamo mai visti. La passione comune per l'arte contemporanea ci ha fatti virtualmente incontrare. Inizialmente per me era un contatto come tanti altri, ma seguendo i suoi lavori e le sue esposizioni tramite il social network, leggendo di tanto in tanto anche il suo blog, inizio ad intravedere una possibile preda per la mia rubrica Vanity Cult.

Vorrei scrivere che i suoi quadri sono estremamente originali, ma l'aggettivo originale mi ha sempre trasmesso un non so che di banalità. Quindi dovrei aprire il vocabolario e iniziare a cercare una parola che accompagni alla perfezione la mia idea riguardo alle opere di Alessandro. Ma sarebbe un lavoro troppo lungo e già so che non ne sarei soddisfatta pienamente. Meglio lasciare parlare lui. Anzi. In realtà sono mesi che io e questo giovane artista cerchiamo di non sovrapporre i nostri impegni per trovarci almeno un paio d'ore.

Alla fine, stremati da continui "Non ci sono", "Io quel giorno sono fuori Brescia", "Lavoro" etc etc etc. abbiamo deciso di sfruttare la tecnologia e sviluppare un'intervista 2.0.

D: Inizierei con una domanda tipica da storica dell'arte. Quando hai iniziato a dipingere? A sentire il bisogno di trasportare le tue emozioni, il mondo in cui vivi, su tela?

R: Ciao Sissi, innanzitutto ti ringrazio per l’invito a fare questa intervista: una modalità di espressione per me diversa rispetto a quella usuale, ma di certo non meno significativa. Soprattutto per capire e far capire meglio il mio lavoro. Se ci riferiamo all’istante cronologico in cui ho fatto il primo disegno intravvedendo nelle sfumature dello stesso l’apertura di una strada artistica, non dobbiamo retrodatare lo sguardo oltre i 6 anni: infatti la folgorazione è avvenuta all’incirca nel 2005 mentre frequentavo l’università a Brescia, facoltà di Economia. Ma se vogliamo vedere la genesi effettiva di tutto, allora la memoria deve retrocedere di qualche anno in più, quando da bambino - mi dicono, e in parte ricordo - passavo ore immobile ad osservare mio nonno dipingere; non vi era da parte sua alcun tipo di intento didattico o formativo, almeno non cosciente o voluto, ma soltanto il mio interesse evidentemente innato ad osservare quella pratica dall’odore così intenso e antico, piuttosto che starmene a guardare i cartoni animati o fare altro. Del resto non si può qui non essere concordi con il vecchio Oscar Wilde nel ritenere che “nulla di ciò che merita d’essere imparato, può essere insegnato”. E’ evidente che nello starmene in piedi accanto a quel cavalletto (che oggi sto usando io) in qualche modo stavo iniziando a realizzare il mio destino.

D: Perchè dunque proprio la pittura, come forma d'arte?

R: Beh la risposta l’abbiamo forse appena data; mi ha sempre dato una sensazione eroica il fatto di continuare una tradizione così antica a discapito del progresso e della presunta evoluzione che quotidianamente ci vengono imposti. Una sorta di missione, nel tentativo di vincere il tempo, perseguire la continuità. E la pittura è proprio questo.

D: La mia curiosità nei tuoi confronti è cresciuta dopo aver visto la tua opera dall'esplicito messaggio "Pop is dead". Cosa vuol rappresentare? Forse un'aspra critica nei confronti del mondo in cui viviamo e dell'arte più contemporanea?

R: “Pop is Dead”, oltre ad essere una constatazione di fatto, è un’opera che certamente esprime il mio schieramento ideologico in campo artistico ma anche nella vita. Istintivamente ho sempre mal tollerato le opere Pop, soprattutto le infinite copie in circolazione, nel senso che non mi hanno mai comunicato nulla. Trovo insensato celebrare il consumismo, tollerare la moltiplicazione seriale di falsi idoli o dell’immagine riprodotta di flaconi di detersivo; magari cinquant’anni fa non sarei stato della stessa idea, ma oggi stiamo assistendo all’epilogo di questa ideologia, non penso si possa pensarla diversamente. E poi se uno vuole imparare la pittura, non per essere alla “moda”, ma per vocazione, arriva inesorabilmente ad un punto in cui deve scegliere se ammirare Vermeer di Delft o il “parruccone argentato”. Ed il binomio, diviene inconciliabile; nel bivio si apre l’abisso. I pittori che leggeranno saranno certamente d’accordo. Gli “artisti”, forse un po’ meno.

D: Qual è il tuo artista preferito? Hai delle motivazioni precise?

R: In questi miei pochissimi primi anni di studio della Pittura ho cercato assiduamente di capire la vita, il pensiero e la tecnica di un numero molto ampio di artisti di cui ho ammirato e cercato di assimilare gli aspetti che più ritenevo affini al mio sentire e da cui mi sembrava di poter imparare di più. Ho imparato per così dire a dipingere attraverso un processo di “mitizzazione” o di “idolatria” dell’opera dei grandi maestri. Ce l’ho sempre avuta a morte con quell’imposizione di falsi idoli che realizzano oggi la televisione e la sub-cultura mass-mediatica. Penso che nell’individuare un idolo, una persona e soprattutto un artista, abbiano modo di scoprire e far “risuonare” dentro di loro una caratteristica già presente, innata, e che l’ammirazione permette poi di sviluppare. E’ una cosa che da molta forza, a discapito delle avversità e degli ostacoli che è impensabile non incontrare, molto simile a quella che è stata la pratica di narrare le leggende dei miti e degli eroi. Il fatto invece che il sistema imponga oggi una moltitudine di falsi idoli, buffoni senza qualità, mi fa seriamente preoccupare del fatto che i ragazzi e le ragazze delle generazioni future fatichino a trovare loro stessi, o che si costruiscano sull’impronta di questo “nulla”. Ho l’impressione, dietro tutto ciò, di sentire il fetore nauseabondo di chissà quale strategia di potere, volta all’uniformazione. Comunque se devo citare quelli che di volta in volta sono stati e rimangono i miei preferiti direi: Hieronymus Bosch, Vermeer di Delft, Rembrandt, Francisco José de Goya y Lucientes, William Blake, tutti i Simbolisti, i Dadaisti, Klimt, Bocklin, De Chirico, Dalì e Magritte in maniera forse più intensa, fino ad arrivare ad alcuni viventi e tra cui cito senz’altro Ernst Fuchs che ho avuto il privilegio e l’onore di conoscere di persona. Ma la lista dovrebbe essere molto più lunga. Al momento ammiro molto e considero geniale l’opera di Gottfried Helnwein: ritengo che abbia individuato ed inaugurato una strada nuova per la figurazione.

D: Un'opera di altri che senti ti possa rappresentare?

R: Non credo ci sia un’opera di altri che mi rappresenti: ce ne sono moltissime che adoro e che venero a livello di “professione di fede”, ma non possono che rappresentare appieno soltanto i rispettivi grandi maestri che le hanno create. Ciò che è certo è che le grandi opere rappresentano l’Umanità innanzi al tribunale della morte, e la capacità del genio di sopravviverle, sconfiggerla, alimentandosi della sua stessa immortalità, e permettendo a chi viene dopo di riconoscervisi, identificarsi, dando un senso a quella scintilla innata che poi diventa Arte. Così si perpetua la grandezza dell'uomo e che non è di certo quella che ci vogliono far credere oggi.

D: Un'opera tua invece c'è?

R: Se devo scegliere l’opera mia più rappresentativa di quella che è la direzione poetica scelta per il mio lavoro, ti dico certamente THE CHILD WITHOUT A FACE sia per il contenuto simbolico - archetipico, che per le caratteristiche tecniche e materiche dell’opera, che sono e saranno mantenute nella produzione successiva. Penso renda molto bene la mia idea in merito a quella che è l’epoca in cui stiamo vivendo. Non è - si badi bene - una proiezione di come mi sento io a livello psico - emotivo (in molti si ostinano a credere che un artista che fa opere di questo tipo sia profondamente triste e turbato), ma è una rappresentazione evocativa di quello che accade. L’arte deve andare a toccare le corde dell’anima, deve riuscire a portare il suo messaggio direttamente al cuore di chi la osserva, altrimenti si riduce ad un esercizio sterile totalmente inutile. Purtroppo oggi chi osserva pare essere sempre troppo distratto, superficiale, addormentato. Per questo c’è bisogno di uno shock, di uno scuotimento intellettuale. L’opera in questione è appunto dedicata al bambino, figura persistente nella mente dell'artista ed elemento fondamentale di ogni società e del suo futuro, ma a cui oggi viene dato uno spazio sempre più marginale a livello mediatico e, per induzione, anche reale. (da quando la realtà è morta [cit. J. Baudrillard], sembra essere diventato sempre più importante ciò che è mediatico di ciò che è reale). Perciò la società di oggi sembra vivere soltanto il presente senza preoccuparsi del domani, ci si illude di dover sempre e costantemente inseguire il divertimento senza dare la giusta importanza a dedicare tempo e fatica per la costruzione della felicità. Si celebra la banalità e si teme la fatica. Ma questo è il modo più immediato di aprire stupidamente le porte alla disperazione. E’ poi emblema dell’identità liquefatta, dell'individualità censurata, della comunicabilità interrotta. Dell’incertezza che stiamo vivendo nei riguardi del futuro. Opera dal contenuto in parte simile è poi INNOCEN-CIDE (L’ASSASSINIO DELL’INNOCENZA), la materializzazione del peggiore incubo di ogni bambino: la morte per impiccagione del compagno di giochi, amico immaginario ed alter ego, necessari alla scoperta della vita e del mondo e ad un armonico sviluppo emotivo, scaraventata negli occhi di quei signori adulti che hanno dimenticato che l’ipocrisia è peggiore del male stesso, perché non permette di riconoscerlo.

D: Hai esposto in diverse fiere, gallerie e musei ... com'è iniziato tutto questo?

R: Il fatto di esporre per un artista è sempre un’occasione di confronto (prima ancora che di vendita) con il pubblico cui le opere sono destinate; non si crea mai per se stessi, ma soltanto per comunicare con l’umanità. Spesso mi trovo di fronte a reazioni non del tutto positive per gli occhi impreparati di chi pensa ancora che l’arte possa essere soltanto un bel fiorellino o una bella maternità; tuttavia ciò che conta è la reazione, l’essere riusciti a smuovere anche se solo per un istante il velo della consuetudine e dell’indifferenza, l’aver insinuato la scintilla del ragionamento, quell’interrogarsi perpetuo che rende l’essere umano ciò che dovrebbe essere, in relazione al suo grado evolutivo. Ho all'attivo alcune mostre, le occasioni e gli inviti sono continui, l'impegno e la fatica costanti, ma c'è ancora molto da fare... la strada è molto lunga.

D: Dove ti potremo vedere prossimamente? Stai lavorando a qualche nuovo progetto?

R : Prossimamente una (doppia) personale a Milano ad ottobre allo Spazio Orlandi, una a novembre al Museo del giocattolo presso il Palazzo Rospigliosi a Zagarolo vicino Roma, poi certamente una a Brescia, ma forse si andrà nell’anno nuovo. Poi numerose collettive qua e là e ancora qualche fiera. In più, già ora, qualche mia opera la si trova alla Galleria Marchina a Brescia. Opere nuove sono sempre in fase di realizzazione, la produzione è e deve rimanere continuativa.

D: Alessandro artista è diviso da Alessandro persona comune? Si aiutano a vicenda? L'artista può spesso essere una sorta di prozac, di alterego per sfuggire alla vita reale ...

R: Alessandro artista ormai si sorregge da solo, ha scoperto - su suggerimento di un tal Odilon Redon - che l'Arte, quando autentica, “sa divenire, con tormento, germe nuovo per una nuova semina”; ha intravisto una strada ed ha imparato ad ascoltare il canto dell’ispirazione. Alessandro persona comune se ne va ancora in giro, vagabondando alla ricerca della felicità. Certamente è il primo che ha la forza di tirare su anche il secondo, quando cade.

D: C'è qualcosa che non ti ho chiesto e di cui vorresti parlare? Qualcosa che ci vuoi raccontare ...

R: Ti racconterei, se avessimo più tempo, di una storia più antica dell'uomo, scolpita sul fondo del suo stesso abisso, accanto al nome e ad un volto per quel bambino di cui si diceva prima; inizia pressapoco così: Habentibus symbolum facilis est transitus (Facile è il passaggio per coloro che possiedono il simbolo), il suo narratore è Daniel Mylius, il suo racconto la “Philosophia Reformata”… ma per ora spazio e tempo sono esauriti... saranno le immagini a continuare il racconto ed i simboli a portare risposte. Grazie, ma soprattutto, Buona Fortuna.

Grazie, ma soprattutto buona fortuna a te Alessandro.

"Quel ministro" voleva ricordarci che con la cultura non si mangia. Noi siamo qui per dimostrargli che la cultura non è pane e salame ma aria.

L'aria serve per respirare.

E chi non respira, muore.

Sissi Bertilla Von Zita

2011-04-21T07:59:00.001-07:00

Agli artisti Pop, manca il senso del tragico... caratteristica ben accetta invece, tra i leoni della savana

(I discorsi Immaginari)

2011-04-19T11:52:00.000-07:00

INNOCEN-CIDE 2

1° Premio (ex equo) al premio Internazionale "Il Giocattolo"

in collezione permanente presso il Museo Demoantropologico del Giocattolo - Palazzo Rospigliosi - Zagarolo (RM)

http://www.istituzionepalazzorospigliosi.it/Portals/0/vincitori2011.pdf

http://www.istituzionepalazzorospigliosi.it

INNOCEN-CIDE 2 - oil on prepared canvas - cm 80 x 70 - 2010

Non più il consueto e non più l'atteso. Fuori dagli schemi di ciò che convenzionalmente ci guida per condurci su quanto viene classificato come bello per tutti o utile per tutti. E' il "per tutti" che a Bulgarini non piace. Raccontare o riprodurre una storia non piacevole può essere difficile, ma se il contenuto risponde a verità l'attenzione ne guadagna, ed infine si comprendono meglio gli aspetti della vita che ci circonda, che ad esempio il dolore non è uguale per tutti, e così il piacere. Entrare nelle cose significa comprenderle nelle loro sfaccettature e differenze, e ci si può allora rendere conto che si può anche amare quel vecchio orsacchiotto che in un altro momento si è distrutto e spazzato via. L'elemento concettuale dell'opera di Bulgarini è dominante al punto da distrarre l'attenzione dall'importanza e dal valore della sua tecnica, indubbiamente oggi spesso non curata dalle giovani generazioni, e che invece qui ritroviamo in una perfetta simbiosi di forma e di contenuto. Concettuale, e non solo. Iperrealista, e non solo.

(Carmine Siniscalco e la commissione del premio - Zagarolo, 17/04/2011)

INNOCEN-CIDE - oil on prepared canvas - cm 80 x 80 - 2010 (collezione Gatti - Iseo (BS))

INNOCEN-CIDE è un’opera dedicata alla memoria di tutti i bambini sofferenti: una rappresentazione archetipica dell’Assassinio dell’Innocenza orchestrato ed operato dalla società “civile” contemporanea, ogni qualvolta essa resta inerme di fronte alla violenza.
Innocenza rubata dall’indifferenza e dalla vacuità di un mondo mediatico che tende a non voler più mostrare esplicitamente la sofferenza, o che, quando vi è costretto, tende comunque a dimenticare in fretta.
E' caratterizzata da un aspetto enigmatico ed inquietante che diventa necessario laddove si voglia far riflettere un’ umanità resa ormai cerebralmente ed emotivamente cieca dall’abitudine alla superficialità.
Ed è così che il peggiore incubo di ogni bambino - la morte del compagno di giochi, amico immaginario ed alter ego, necessari alla scoperta della vita ed un armonico sviluppo emotivo - prende forma prepotentemente per essere scaraventato negli occhi del mondo adulto, a toccare quel tasto del ricordo dove una nota di purezza ed autenticità, non può non essere rimasta.

Vesica Piscis --> studio per Imitatio Christi @ Carrara Giorni d'Arte

2011-04-06T07:02:00.000-07:00

Imitatio Christi /adam kadmon

2011-03-29T10:46:00.000-07:00

In Fiera a Carrara
Carrara Giorni d'Arte

dal 9 al 17 Aprile 2011

"Noi ci eleviamo inginocchiandoci, conquistiamo arrendendoci, guadagniamo rinunziando"
Questo il Maestro insegna ad Ercole, nel mito dell'Idra: una lezione più antica dell'uomo, dal significato rivoluzionario e “circolare”, difficilmente comprensibile per l’inquadrato uomo del contemporaneo.
Ma un insegnamento necessario per chiunque sia intenzionato a compiere un passo in avanti sul gradino evolutivo, a proseguire il cammino verso l'"homo noeticus".
Evoluzione da compiersi, stando al Maestro, guardando all'indietro per andare avanti, conoscendo l’alfa per intuire l’omega, scavando dentro per costruire fuori.

"Ambula ab intra" (“muoviti all’interno”)
Lo incidevano gli alchimisti, l'ha dimostrato Cristo:
un viaggio necessariamente interiore, un'imitazione endogena dell’uomo primordiale, l’Adam Kadmon che si rifà all’essenza.

Sono prossimi al termine i tempi dell’apparire, al suo epilogo è il regime dell’insoddisfazione.
C’è un solo nemico che è necessario affrontare ed è l’Ombra che ognuno si trascina dentro.
Ma per vincerla è necessario conoscerla, e per conoscerla è necessario accettarla.

Così la pittura insegue l'archetipo in un'indagine visivamente difficile e che ripone nel simbolo il suo tratto determinante, e nel significato il suo scopo profondo.
La riscoperta del mistero che passa attraverso la rievocazione della potenza dell’emblema quale interlocutore diretto della coscienza e dell’anima.
(A.B.)

Orari:
domenica 10 e domenica 17: dalle 10 alle 20

altri giorni: 9, 11, 12, 13, 14, 15 e 16 dalle 15 alle 20

Complesso Fieristico di Carrara

viale G. Galilei, 133

Marina di Carrara, Italy

http://www.carraragiornidarte.it/

2011-03-27T02:24:00.001-07:00

ad ogni opera che realizziamo, una parte di noi la regaliamo alla morte, un'altra la consegniamo all'eternità

(I discorsi immaginari - aforismi postumi)

2011-03-24T01:22:00.001-07:00

Il declino del nostro tempo ha le sue radici nell'invenzione della limitatezza, un concetto troppo antropomorfo

(I discorsi immaginari - aforismi postumi)

2011-03-23T04:31:00.000-07:00

Vi è una storia più elevata, celata nel cuore di quella ufficiale, ed è la storia degli illuminati; un racconto interminato, che ci consente di riconoscere non il bene dal male, ma bensì quelli che sono i falsi illuminati.

(I Discorsi immaginari - aforismi postumi)

This is not a "Damien Hirst" (just italian painting)

2011-03-10T02:30:00.000-08:00

oil on prepared canvas - cm 120 x 180 - 2011

2011-03-09T04:17:00.000-08:00

Vi è una suprema forma di energia dimenticata, che risiede nella sovversione degli ordini mentali precostituiti ed imposti dalle dottrine; un'energia che rende inesistente il concetto di impossibile

(I discorsi Immaginari - aforismi postumi)

2011-03-08T13:04:00.001-08:00

L'arte si nutre dell'impossibile, di ambizioni esasperate, sacrifici irripetibili... ed immenso, solitario coraggio

(I discorsi immaginari - aforismi postumi)

Attraverso l'immagine, al di là dell'immagine

2011-03-08T07:09:00.000-08:00

di Emanuele Beluffi

Per quale motivo l'opera di Alessandro Bulgarini sembra così inattuale?

Riandiamo infatti col pensiero alle annotazioni nicciane, paradossalmente profetiche nel titolo autoimposto delle Considerazioni inattuali. Da che mondo è mondo, l'immaginazione rappresenta una risorsa vitale il cui valore è stato ahinoi costantemente misconosciuto. Trascuratezza che si accompagna al riconoscimento del depotenziamento del suo stesso potere iconografico.

Ci provarono i "contestatori" nel '68, con l'immaginazione al potere, ma con scarsi risultati.

Malgrè lui, il Bulgarini vive in un contesto epocale contrassegnato dalla ridondanza iconografica. La sua opera si colloca pertanto nello scenario del "delitto perfetto" teorizzato da Baudrillard, dove la soppressione della realtà è il risultato della sopravvenienza della cosiddetta "iper-realtà" e la nettezza della distinzione con la fantasia s'illanguidisce in una mistura indistinta di realtà e illusione.

Questo è lo stato di cose in cui il Nostro si trova a operare.

Questo è il contesto in cui l'aereo che entra nelle Twin Towers raffigura un'immagine inimmaginabile secondo i soloni della sociologia come il succitato Baudrillard. Strano combinato disposto del "duello" fra realtà e finzione e dello strapotere iconografico della comunicazione che fa sopravvivere l'immagine nella forma della sua stessa assenza. Insomma, come diceva Gil Scott-Heron già nel 1971, noi siamo "televisionati" (The Revolution Will Not Be Televised).

E che dire del commento sciagurato di Karlheinz Stockhausen, secondo il quale l'eccidio dell'Undici Settembre, bloccato per sempre nell'immagine degli aerei che si sfracellano nelle Twin Towers, sarebbe la più bella opera d'arte mai realizzata?

Ogni tanto nel corso della storia si deve decretare la morte di qualcuno o qualcosa: Nietzsche ce l'aveva con il Dio della religione, Marx con quello del Capitale, Hegel aveva stabilito la morte dell'arte. E Baudrillard voleva far morire la realtà, individuandone l'annichilimento nell'esuberante attrazione delle immagini esercitata dalla società mediatica.

Audax vicit.

Ma non è sempre così.

E dal momento che anche la pittura pensa, in quanto pratica speculativa il cui apporto epistemico è lo stesso della filosofia, lascito della società mediatica da cui avrebbe origine come per partenogenesi il concetto di un'immagine fantasmatica in cui vero e falso si mescolerebbero in unità indistinta. Ciò che, va da sé, rappresenta un autentico non sense, dal momento che una cosa o è vera o è falsa - e se è mezza vera, è falsa e basta.

A sostegno dell'idea relativa al cimento polemologico della pratica pittorica verso l'immagine plastificata del simulacro riandiamo dunque col pensiero a ciò che con la potente eloquenza dell'ossimoro possiamo definire la storia dell'attualità. L'aereo che entra nelle Twin Towers. Il sesso virtuale. La seduta plenaria dell'ONU. La creazione di un'esistenza individuale parallela (il mondo di Second Life). Le immagini dei traccianti sugli schermi della CNN ai tempi di Desert Storm, quando ci si stupì di poter assistere a una guerra come fosse un videogioco. E la dotazione sui tank americani di potenti altoparlanti che "sparavano" i brani musicali del gruppo heavy metal degli W.A.S.P. allo scopo d'infliggere al nemico musulmano sensazioni di sconvolgente terrore.

Irruzione del potere, mediatico al cubo: il potere fantasmatico dei mezzi di immaginazione di massa.

Se di lotta dobbiamo parlare, allora il potere della pittura rispetto all'immagine simulacrale passa attraverso la contrapposizione fra l'esuberante attrazione dell'immagine eterodiretta e la forza tranquilla dell'immagine generata dai moti che sommuovono l'animo del pittore/filosofo - o pittore concettuale, per usare la definizione con cui il Bulgarini descrive la propria poetica.

Che con la tecnica della pittura - come lo scrittore con la tecnica della scrittura e il filosofo con la "tecnica" della riflessione - restituisce il potere informativo dell'immagine allo sguardo ahinoi disincantato dell'essere umano contemporaneo. Tanto contemporaneo da non esser più capace né di guardare né di pensare, inchiodato alla sua stessa, attualissima preistoria. Così che, sia pure dilatandone il concetto alla nostra usanza, con Erwin Panofsky potremmo parlare di una rediviva iconologia, metodo di lettura del pensiero della pittura che prescinde dalla descrizioni resocontative per soffermarsi, illuminandoli, sui correlati storici, filosofici, sociologici, mitologici, religiosi dell'immagine pittorica stessa. Spesso esterni al dominio consapevole di chi quell'immagine ha creato.

Inconsapevolezza da cui il Bulgarini, nella sua pratica speculativa, è ben lungi: il quale anzi consapevolmente lascia dietro sé la questione sociologica della visione nel mare magnum della contemporaneità mediatizzata e navigando a vista nella procella dell'"iper-realtà" simulacrale si accosta ai limiti rocciosi del saper vedere. Ecco perchè a proposito della sua opera ci piace rievocare l'iconologia panofskiana: saper vedere un'immagine è come svuotare quel vaso di Pandora che è la pittura.

Ma "navigare a vista" è un rimando esplicativo fuorviante: con il Virilio de L'arte dell'accecamento il nostro giovane pittore ha imparato che saper Vedere comporta un "capovolgimento scopico" rispetto alla consueta modalità di percezione visiva indotta dai potentissimi vettori d'immagine del contemporaneo. Scrive infatti il Bulgarini (il quale, lo si è capito, oltre che pittore è pensatore): "[...]assistiamo oggi ad una sorta di bombardamento mediatico, universale e quotidiano: dalla pubblicità alla televisione, passando attraverso internet e le tecnologie digitali in continua ed incessante evoluzione. Eppure, paradossalmente, l'umanità sembra avere progressivamente perso la capacità di “vedere” in profondità, essendo diventato ormai abituale, il più superficiale atto di limitarsi a “guardare”, generando quella che Paul Virilio [...] ha definito “Fatale Distrazione” o “Glaucoma Artificiale”" 1.

La modalità di visione contenuta nel concetto di "capovolgimento scopico" è allora la proposta relativa a un ritorno: torniamo a imparare a guardare (e a pensare). Non più frontalmente: tale percezione del visibile è la stessa visione distratta dello sguardo panottico che, anziché scrutare attivamente l'orizzonte del visibile, subisce la visione deresponsabilizzata e distratta indotta dalla ridondanza mediatica, che ci fa vedere il visibile rimpiazzando la visione in sito e in visu con il teletrasporto pigro dell'immagine.

Torniamo a imparare a vedere l'intima essenza delle cose. Ciò che coincide con il coglimento della verità. Lasciando dunque alle nostre spalle l'abitudine alla visione frontale dello spettatore passivo abbassiamo lo sguardo. Atto non di umiltà, bensì di introspezione attiva del visibile e dell'invisibile - ricordate il filosofo Maurice Merleau-Ponty? Attuando nell'arte della visione quella stessa straordinaria rivoluzione che secondo lo scrittore Marek Halter fu realizzata da Jackson Pollock in pittura: "Pollock è il primo ad aver abbandonato il cavalletto, una volta posta la tela per terra per cogliere il quadro dall'alto. E' come un paesaggio visto dall'aereo; mentre la pittura europea sono paesaggi visti dal finestrino di un treno"2.

E come fa il Bulgarini a realizzare questa sorta di intravisione noetica dell'immagine? Attraverso una visione derealizzante. Riproponendo, forse senza saperlo, quella fatale attrazione fra l'apporto fenomenologico e l'apporto poetico al reale, recondite armonie che Edmund Husserl confidò una volta all'amico poeta Hugo von Hoffmasthal. Il Bulgarini supera l'atrofizzazione retinica indotta dal "bombardamento mediatico, universale e quotidiano" - che determina quella sorta d'assuefazione all'accecamento cui Virilio si riferisce con il concetto di "Fatale distrazione" - non attraverso la creazione dell'immagine "bella", fonte di una semplice piacevolezza retinica, bensì occasionando nell'osservatore quella sorta di vibrazione della retina il cui effetto è lo stesso di quello scaturiente dai connubii cromatici che secondo Isabella Far bastavano a fare di un quadro un'opera d'arte: bella materia colorata. Recuperando la capacità di Vedere con l'ostensione del concetto emblematicamente racchiuso in un'immagine provocatoria e inquietante, unitamente a una costante ricerca della tecnica della pittura.

Si veda ad esempio la serie dei “Bambini senza volto”, dove, rispetto all'elemento pittorico, sopravviene l'elemento concettuale che spariglia le carte in tavola. Insinuare l'immagine come un tarlo nella mente e nell'occhio dell'osservatore, quasi forzandolo a riorientare lo sguardo nella direzione della rinnovata effabilità dell'immagine, ciò è il contenuto per dir così ideologico dell'opera di Alessandro Bulgarini. "Ideologica" in quanto pone a suo stesso fondamento l'idea. O, se preferiamo metter da parte quanto Kant ci ha insegnato sulla distinzione fra idea e concetto, un elemento concettuale. Da intendersi non certo nella direzione di quella corrente artistica che aveva posto alla base del suo stesso operare la predominanza dell'idea rispetto alla relativa realizzazione fisica, ma, in un'accezione lata, nella direzione di uno scotimento intellettuale dell'osservatore occasionato da una "provocazione visiva".

Proclive all'arte fantastica, di cui ha recentemente incontrato e conosciuto il capostipite Ernst Fuchs, il Nostro ha trovato nell'esperienza di un Gottfried Helnwein e nel realismo psichico di un Rudolf Hausner, oltre che in una riadattata eredità magrittiana, la possibilità di generare un immaginario "[...]finalizzato a sconcertare, sorprendere e provocare per stimolare un meccanismo razionale che metta in crisi il tradizionale modo di guardare"3.

Volendo dalla sua il surrealismo di un Riccardo Tommasi Ferroni, potente contraltare al circo mediatico dell'accecamento progressivo che Vittorio Sgarbi ha inquadrato nella meraviglia del possibile -"il grande spettacolo dell'impossibile che si rende possibile". E che per transizione dà l'impronta di sé alla ricerca del Bulgarini, attraverso la sperimentazione di "invenzioni visive" che rimuovano "la polvere dell'abitudine dagli occhi dell'osservatore annoiato"4.

Senza mai perdere di vista un concetto di fondamentale importanza nell'epoca attuale: l'urgenza pressante di fare buona pittura, che non può prescindere dall'occasionare uno stimolo alla riflessione.

Accogliendo fra i mentori ideali un Pietro Annigoni o un iper-contemporaneo come Luciano Ventrone, a partire dalla folgore Daliniana che colse il Nostro ai primordi della propria ricerca.

Forse il giovane pittore bresciano pecca di massimalismo teorico quando consente col Virilio, secondo cui anche il mercato dell'arte avrebbe subito l'impronta dell'accecamento globale, piegandosi a quella che evidentemente dovrebbe considerarsi l'illogicità di un sistema in cui l'appassionato si involve in consumatore. In fin del conto l'arte, senza il mercato, non esisterebbe.

Ma stiamo parlando di pittura, disciplina intorno alla quale ancora si discute del certificato di morte.

Una caratteristica dello stato di cose nell'arte contemporanea è la mancanza di pittoricità. Ciò che pone subito in rilievo il vetusto concetto della cultura estetica, la bellezza come intima connessione di forma e immagine. In effetti la pittura non è mai una replica isomorfica della realtà, ma nell'opera del Bulgarini conduce sempre a una sorta di nescio quid misterioso e magico che occasiona nell'animo dell'osservatore un intenso impatto emotivo.

Se non emarginata, forse la pittura rappresenta tuttora una pratica inattuale rispetto a videoarte, installazioni, sound art et cetera: le applicazioni della tecnica hanno reso suggestivo largheggiare nella sperimentazione di modalità espressive altre rispetto alla pittura. Ma da tempo, all'idea che la pittura sia una lingua morta, si accompagnano la ricerca e le riflessioni condotte da critici, curatori, giornalisti e filosofi nella direzione di questa pratica espressiva. Tanto da auspicarne una sorta di rinascenza. Di fatto, è come la suggestione che internet possa sopravanzare la carta stampata. Ciò che mai accadrà: differenti sono le modalità di lettura, utilizzo e linguaggio. Come la carta stampata sembra votata all'inattualità rispetto a internet pur non essendolo, lo stesso vale per la pittura in riferimento ad altri mezzi espressivi. Viviamo anche noi lo zeitgeist, lo spirito del tempo in cui più pratiche espressive concorrono l'una accanto all'altra nell'informare del proprio stile un'epoca. E ogni epoca è all'altezza di sé stessa. Così la pittura.

La ricerca del Bulgarini è protesa a difendere il potere seduttivo e il ruolo comunicativo profondo di un mezzo espressivo a rischio d'inattualità in quanto tallonato da "concorrenti" apparentemente più "moderni". Ed è gettata in un contesto epocale contrassegnato da un'estetica dell'eccesso d'immagine. Eccedenza di cui preconizza il pericolo pressante per quella risorsa vitale che Alberto Agazzani ha definito "l'arte di vedere l'arte"5.

E' per questo che la pittura di Alessandro Bulgarini ci sembra straordinariamente urgente nella sua inattualità.

NOTE
1. Alessandro Bulgarini, Il potere dell'immagine: pensieri sull'Arte (http://www.alessandrobulgarini.it/recensioni.html), 2009

2. M. Halter, Suivez l'artiste, in France 3, Febbr. 2005 - cit. in Paul Virilio, L'arte dell'accecamento, Milano, Cortina, 2007

3. Alessandro Bulgarini, Il potere dell'immagine: pensieri sull'Arte (http://www.alessandrobulgarini.it/recensioni.html), 2009

4. ibid

5. Alberto Agazzani, De temporum fine comoedia, in Luciano Ventrone – Le verità dipinte, Giunti, 2008

CRUDELIS FABULA - ArtistInMostra - Fiere di Parma

2011-03-07T04:29:00.000-08:00